THE YELLOW MOOD: ENTREVISTA A FRAN BATALLER, GANADOR DE LA SEMANA URBAN DEL CONCURSO 12X7 DE NUZART.COM

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Fran Bataller | Yellow Cab

THE YELLOW MOOD

“La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado…” (Arnold Newman) , “…y que muchas veces queremos compartir.” (Fran Bataller).

Frases célebres de artistas y fotógrafos reconocidos como Arnold Newman o Auguste Renoir son la carta de presentación de Fran Bataller (Madrid, 1985). Su formación como Ingeniero Geológico no le ha impedido dedicar parte de su tiempo a hobbies como el cine o la fotografía, faceta en la que se ha ido especializando y formando desde hace ya algunos años. Su interés por esta disciplina le ha llevado además a participar en varias ediciones de concursos como Universia, Fototalentos o 12×7 de nuzart.com, donde ha resultado ganador de la semana URBAN con su Yellow Cabtítulo de su obra y término con el que popularmente se conocen a los míticos taxis amarillos de la Gran Manzana.

Los taxis de Nueva York son un clásico y parte de su inconfundible paisaje urbano. Se deslizan iluminando las calles como si fueran luciérnagas dejando tras de sí una estela capaz de convertirse en el foco de atención o de desvanecerse entre la multitud. Y es así es como lo refleja Fran Bataller: un barrido espontáneo, un respiro entre la multitud, un estilo. Es “The Yellow Mood“.

-¿Para ser fotógrafo hay que ser primero artista?

Yo creo que no, de hecho yo no me considero artista, pero si fotógrafo. Lo que si que hay que hacer es ser muy insistente, interesarte, leer, ver fotos, pensar lo que quieres, cómo lo vas a conseguir, disparar, ver en que te equivocas y corregirlo en la siguiente toma. La creatividad tiene un factor importante, claro, pero me parece más importante el poder hacer que una foto represente un momento que TÚ has vivido y quieres compartir con la gente, y esto se aprende con la experiencia.  Después de ver y hacer muchas fotografías vas ganando recursos que luego puedes ir utilizando.

-Los barridos fotográficos te permiten…

No solo congelar un instante (como cualquier fotografía) si no congelar un objeto en un instante que aún fotografiado sigue en movimiento.

-Te presentas haciendo referencia a grandes fotógrafos y artistas como Arnold Newman o Auguste Renoir…¿qué destacarías de cada uno de ellos?, ¿de qué manera han influido en tu forma de fotografiar?

De Auguste Renoir me encanta la capacidad que tiene de plasmar algo tan complejo (concretamente los retratos que tiene, aunque reconozco que no entiendo mucho de arte) de una forma tan simple y tan elegante a su vez, perfecto. Siempre me han gustado las fotografías o cuadros sencillos, y a mi parecer considero que es muy difícil y digno de admiración el poder hacer que algo tan simple sea tan agradable a la vista. Muchas veces intento conseguir lo mismo, buscar cosas en mi entorno, que aparentemente parezcan complejas y con muchos elementos y buscar un encuadre que lo haga parecer mucho mas simple pero agradable a la vista. También intento muchas veces buscar simetrías donde no las hay, cosa que no siempre consigo =(. Otra cosa que quiero mencionar que algo que me ha influído mucho son los encuadres que utiliza, ya que son perfectos (para mi gusto).

Arnold Newman siempre me ha parecido uno de los mejores fotógrafos de la historia por sus retratos. Antes de meterme en el mundo de la fotografía, en el cual entre hace unos 4 o 5 años, yo creía que un retrato era eso, un retrato, una fotografía de una persona, pero al ver la forma en las que Arnold Newman retrataba a la gente me parecía increíble, el incorporar objetos de una forma tan creativa y el uso que hace del blanco y negro me parece perfecto.

-Hemos visto que la mayor parte de las veces tus fotografías están realizadas en color…¿Cuáles son para ti los condicionantes que hacen que te decidas por el color o el blanco y negro?

Antes si que tiraba en blanco y negro, pero actualmente, con las nuevas tecnologías no lo hago, ya que el mundo digital da muchas facilidades. He de reconocer que pocas veces a la hora de disparar normalmente no se (bueno, alguna vez si) si la fotografía será en ByN o en color. Luego las veo y cuando intento retratar mi punto de vista en ese momento en concreto decido si utilizo color o no. El color me parece un recurso muy útil, aunque también me atraen mucho las gamas de blanco y negro, pero muchas veces me da la sensación de que una buena fotografía en blanco y negro es mucho mas difícil de obtene.

-¿Qué supone para ti ser el ganador de la Semana URBAN del Concurso 12×7 de nuzart.com?

Pues la verdad es que es la primera vez que gano un concurso de fotografía y me produce una gran satisfacción saber que hay gente a la que le gustan mis fotografías, y que no soy el único “fan” de mis fotos. Jejeje.

 

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THE YELLOW MOOD

“Photography, as we all know, is not real at all. It is an Illusion of reality with which we create our own private world…” (Arnold Newman), “…and which, so many times, we want to share”. (Fran Bataller)

Famous quotes by renowned artists and photographers such as Arnold Newman or Auguste Renoir, are Fran Bataller’s (Madrid, 1985) way of presentation. His years of study to become a Geological Ingeneer have not been an impediment to devote part of his time to hobbies such as cinema or Photography, facet which he’s trained and specialized in recent years. His interest in this discipline has also led him to participate and get involved in several editions of contests like Universia, Fototalentos or nuzart.com’s 12×7 Photography and Illustration Contest. And it’s precisely in this latest contest, where he has been proclaimed winner of the URBAN week with his Yellow Cabtitle of his work and term popularly used to define these iconic yellow taxis.

New York Taxis are a classic and a distinctive part of its urban landscape. They wander the streets shinning like fireflies leaving a trail which is capable of becoming the focus of attention, or to vanish in the crowd. And this is exactly how Fran Bataller reflects it: like a spontaneous quick scan, a respite from the crowd, a style. It’s The Yellow Mood.

-To be a good photographer, do you think it is necessary to be an artist?

I don’t think so. In fact, I don’t consider myself an artist but a photographer. What you’ve got to do is to be constant, interested, to read, to view lots of things and photos, think about what you really want to get, and to learn from your own mistakes again and again. Creativity is an important factor, of course, but it is even more important to take a picture which represents a certain momento that you’ve lived and want to share with people. An this is only learned through expirience. After viewing and taking lots of pictures, you gain resources which then can be used.

-Photographic scans allows you to…

…not only to capture a still image from a moment in time (as on any picture), but also to get a still image of an object at a certain instant, which despite of being captured keeps on moving

-You make reference to great photographers and artists such as Arnold Newman or Auguste Renoir…what would you highlight from them both? , In what way do they’ve influenced your photographic style?

From Auguste Renoir I love his hability to capture things in such a cimple and elegant way at the same time. I’ve always liked simplicity in Photography, and in my opinión I think that it’s very difficult and admirable being able to get something to simple into something so pleasing to the eye.

Arnold Newman has always been one of my favourite portrait photographers. Before I landed into the world of photography 4 or 5 years ago, I thought that a portrait was just a portrait, a simply picture of a person…, but over the years, and seeing how Arnold Newman portrays people, I realized how amazing they really were. His so creative way to incorpórate objects, his use of black and White…He is just perfect.

-We have noticed that most of the times your photographs are taken in color…, what are the conditions that determine whether a photograph will be in color or in Black and White?

I used to take B&W pictures, but for sometime now, with new technologies, I don’t because the digital world provides many facilities. I must admit that when I take a picture, I rarely know if it will be in color or in B&W. And it’s once I’ve looked at them from my own point of view when I decide if i’ll use color or not. I think that color is a very useful resource, but sometimes I get the feeling that a good B&W photography is much more difficult to obtain.

-What does it mean for you to be the winner of URBAN week of nuzart.com’s 12×7 Contest?

The truth is that it’s the first time that I win a Photography Contest. It gives me great satifaction and makes me glad to see that out there there are people who like my works, and to know that I’m not the only fan o them!! Ha ha ha!

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Entrevista a David Cornejo Rodríguez, ganador de la semana deepNATURE del concurso 12X7 de nuzart.com

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Otoño | David Cornejo Rodríguez

“Quienes más disfrutan del apasionante mundo de la fotografía son los aficionados»

MOMENTOS AD-HOC

Entrevistamos a David Cornejo Rodríguezfotógrafo y ganador de la semana deepNATURE delConcurso 12×7 de Fotografía e Ilustración organizado por nuzart.com en facebook.com/nuzart. Su imagen Otoño, no es sólo una coincidencia o un momento “ad-hoc”, sino también un reflejo de lo que él mismo define como su verdadera pasión: la fotografía.

Dentro de su galería, la naturaleza juega un papel fundamental, sin embargo no podríamos definirle como un “fotógrafo de naturaleza”, ya que recorre otras temáticas y estilos más cosmopolitas y urbanos, todos ellos marcados por el contraste y el color. Capturas a fuego lento, con una sensibilidad estudiada y una velocidad pausada.

– David, naturalmente te gusta la fotografía de naturaleza…confiésanos cuál es tu estilo preferido…

Es muy difícil decidirse por un estilo concreto, como aficionado me gusta tocar todos los palos y continuar aprendiendo independientemente del estilo, probar y decidir para cada momento y fotografía que estilo es el adecuado, no me cierro a ninguno ni sigo una moda. Aunque voy definiendo mi estilo, contrastado con colores vivos y detalles marcados, creo que todos estamos en continua evolución.

-…y tu fotografía preferida?

Me gusta la fotografía que no se me impone, la que te sale de dentro y puedes hacer a tu gusto, experimentar y superarte para llegar hasta lo que tenías en mente. Me gusta tanto la fotografía paisajística, de naturaleza, social, urbana, retratos y últimamente reportajes cercanos a bebés.

-¿En qué se diferencian para ti un fotógrafo aficionado de uno profesional?

El profesional normalmente se tiene que ceñir a lo que le piden, normalmente es más cerrado y se tiene poco margen para la improvisación y creatividad. Por otro lado el aficionado puede probar, crear y si no sale como le gusta no pasa nada, no tiene que dar cuantas a nadie, además puede dedicar más tiempo que el profesional para hacer la misma foto sin la presión de tener que tener una foto para una fecha.

– ¿Qué ventajas tiene la fotografía en color respecto a la fotografía en blanco y negro?

Personalmente soy más de procesar en color, ofrece más información, mayor realidad, y creo que si me gusta algún estilo más que otro es el hiperrealismo. El blanco y negro lo uso poco y sólo como medio para expresar algo más, no como base de todas mis fotografías.

-¿Velocidad o sensibilidad?

No se puede descartar nada… principalmente sensibilidad, la fotografía te tiene que gustar a ti el primero, si luego gusta a los demás, genial, pero nunca se tiene que buscar el agradar a los demás o el qué dirán. La velocidad es necesaria para captar momentos muy concretos, es necesario conocer técnicamente muy bien tu equipo y tener muy claro que quieres y que valores necesitas para ello, por eso, la velocidad no es que sea secundaria, es que tiene que ser automática y estar en nuestra cabeza, así evitaremos que se nos escapen los momentos mágicos.Visita la Galería de David Cornejo Rodríguez en nuzart.com | Visit David Cornejo Rodríguez’s Gallery at nuzart.com

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“Those who most enjoy the exciting world of photography, are the amateurs”

AD-HOC MOMENTS

We interviewed David Cornejo Rodríguez, photographer and winner of the deepNATURE week ofnuzart.com’s “12×7” Photography and Illustration Contest organized by nuzart.com at facebook.com/nuzart. His workAutumn seems not just to be a coincidence or a moment “ad-hoc”, but also a reflection of what he describes as his true passion: photography.

Within his entire gallery, nature plays a fundamental role, however we could not define him as a “nature photographer”, as he covers other topics such as cosmopolitan and urban styles, all marked by great contrast and vivid colors. These are slow captures with a premeditated sensitivity.

– David, It’s clear that you love nature photography…Would you cofess us which is your favorite style?

It is very difficult to choose a particular style. As an amateur, I like to delve into various fields and to learn regardless of a style. For each photo, I choose the most appropriate style, and I do not restrict myself to any particular one, nor do I follow any concrete trend. Although, as we are all constantly evolving, I’m defining my own style, with contrast and vivid colors and marked details.

– … And your favorite photograph?

I love that type photography that is not imposed, the photography that comes from within yourself and the one that you can do to your taste; I like to experiment and improve yourself to get what you have in mind. I like landscape photography, as well as nature, social and urban photography. I also like portraits and baby portrait sessions.

– What is the difference between an amateur and a profesional photographer?

The profesional, usually has to adhere to what he is asked for, he’s more focused on something concrete and has little leeway for improvisation and creativity.On the other hand, the amateur can test, try and create freely, and if he doesn’t like the result, nothing happens. He does not have to justify to anyone, and he is able to spend more time than a professional photographer to do the same thing. There is no pressure and no dates.

-What are the advantages of color photography over Black and White?

I personally prefer color process as it gives more information, and it is more realistic, and if I had to choose a style, it’d be the hyper-realism. I usually don’t take many black and White pictures, and I only do it as a means to express something else, not as the basis for all my pictures.

– Do you prefer speed or sensitivity?

We can not rule anything out… but I mainly prefer sensitivity…, it’s you who’s got to like the picture in first place, and then, if others like it as well, great…You must never seek to please others or to know what others think. And speed is needed to capture specific moments; it is necessary to know your equipment very well, to have a clear idea of what you want, and what exact values you need to do it,… It’s not that the speed is in second place, but it has to be automatic and in our mind, and thus, we will avoid missing those magical moments.

Visita la Galería de David Cornejo Rodríguez en nuzart.com | Visit David Cornejo Rodríguez’s Gallery at nuzart.com

nuzart.com entrevista al fotógrafo Amador Toril: «La fotografía es una pasión»

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Gran Vía

Una genial fotografía de la Gran Vía madrileña realizada por Amador Toril, podría decirse que es, al margen del logo corporativo, la imagen insignia de decoraphotos.com y nuzart.com.

Amador Toril (Madrid, 1966), posee un extenso currículo que incluye trabajos y colaboraciones con  fotógrafos como Michael Arden (California), Juan Ramón Yuste o Eduardo Momeñe entre otros; la foto fija de películas como ‘Tiempos mejores’ y ‘Dile a Laura que la quiero’; exposiciones al aire libre sobre fachadas de Ayuntamientos; trabajos especializados en moda, interiorismo o decoración para revistas como ELLE DECO, Habitania, Nuevo Estilo, InStyle, Santillana y otras publicaciones;  incluso la docencia y un largo etcétera que le hacen merecedor de un lugar privilegiado en la reducida lista de los mejores creadores contemporáneos y fotógrafos especializados en arquitectura e interiorismo. Y es que no sólo tenemos el privilegio de tenerle entre los artistas destacados de nuzart.com, sino también de realizarle una entrevista que nos permite conocer y desvelar los valores más personales que para él, giran en torno al arte de la fotografía: su gran pasión.

nuzart.com.-La fotografía requiere una serie de conocimientos técnicos, pero también algo más que es difícil de definir…¿Qué es lo que para ti caracteriza a un buen fotógrafo? 

Amador Toril.-Siempre he dicho que los buenos fotógrafos de los malos se diferencian en que los primeros, solo enseñan las fotos buenas. Porque fotos malas, las hacemos todos…pero no hay que enseñarlas. 

nuzart.com.-La fotografía digital no ha desbancado a la analógica porque al final lo que el tiempo ha confirmado es que hay cabida  para todo…En tu opinión, ¿Qué ventajas tiene la fotografía digital frente a la analógica? 

Amador Toril.-Yo tengo que reconocer que soy un converso. Me gusta mucho más el digital que el analógico. Le veo mas ventajas que inconvenientes. Aunque, algunas veces añoro la luz roja y las largas noches de laboratorio. 

nuzart.com.-Hoy la fotografía es arte, tendencia y moda…¿Crees que su presencia en el mundo del interiorismo y la decoración ha sido el  factor decisivo para que al fin se reconozca su valor?

Amador Toril.-No lo creo. Seguramente la democratización de la fotografía, que ha venido dada por el proceso digital, ha sido la causa fundamental.  

nuzart.com.-La fotografía es arte…¿es también un estilo de vida?.

Amador Toril.-La fotografía es una pasión.  Y en mi caso una suerte, porque me porque me gano la vida haciendo lo que me gusta. 

nuzart.com.-Afortunadamente hoy las cosas están cambiando y los artistas cuentan hoy con más herramientas que les permiten tener la oportunidad de exhibir e incluso de vender sus obras… En este sentido, ¿qué papel juega para ti nuzart.com?

Amador Toril.-Es una herramienta fantástica, te permite que te conozcan una cantidad de personas, que de otra manera sería imposible. Además si consigues vender, mejor que mejor. 

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San Francisco 

A great photograph of Madrid’s famous Gran Vía street by Amador Toril, could arguably be considered, -apart from their own corporate logos-, decoraPHOTOS.com’s and nuzart.com’s badge image.

Amador Toril (Madrid, 1966), has an extensive resume that includes works and collaborations with photographers such as Michael Arden (California), Juan Ramón Yuste and Eduardo Momeñe among others; the still photography of spanish movies such as ‘Tiempos mejores’ and  ‘Dile a Laura que la quiero’ (‘Better times’ and ‘Tell Laura that I love her’); outdoor exhibitions on the façades of city councils and TownHalls; reports of fashion, interior design and decoration for magazines such as ELLE DECO, Habitania, New Style, InStyle, Santillana and other publications; and many other projects including teaching and a long etcetera that makes him deserve a privileged place in the small list of the best contemporary designers and photographers specializing in architecture and interior design photography. And not only we have the privilege of having Amador Toril as one of the featured artists in nuzart.com, but also of being able to make him an  interview that reveals an insider’s view of  the values that revolve around the art of photography: his  passion.

nuzart.com.-Photography requires a range of expertise and skills, but also something else that is difficult to define … What characterizes a good photographer?

Amador Toril.-I’ve always said that the difference between a good photographer and a bad one is that the good photographer only shows his good pictures. We all take bad pictures …, but the thing is that the bad ones….must not be shown.

nuzart.com.-Digital photography has not supplanted the analog one, because in the end, time has confirmed that there is room for all types of photography … In your opinion, what are the advantages of digital photography compared to analog / conventional photography?

Amador Toril.-I have to admit I’m a convert. I much prefer digital to analog. I see more advantages than disadvantages. Although, sometimes I miss the red light and the long nights in the laboratory.

nuzart.com.-Today, photography is Art, it’s a trend and it’s fashion … Do you think that its presence in the world of interiors, design and decoration has been the decisive factor to recognize -at last- its value?

Amador Toril.-I don’t think so. Surely, the democratization of photography, which has been given by the digital process, has been the fundamental cause for its recognition.

nuzart.com.-Photography is Art … Is it also a lifestyle?.

Amador Toril.-Photography is a passion. And in my particular case it’s also a good thing because I make my living doing what I enjoy.

nuzart.com.-Fortunately, today things are changing and artists now have more tools and opportunities to exhibit and even to sell their artworks … In this sense, what role do you think that nuzart.com plays?

Amador Toril.-nuzart.com is a fantastic tool that lets you display your artwork and make it known to a vast audience, that would otherwise be impossible. And… if you can also sell through it, it’s even better.

Visita la Galería de Amador Toril en nuzart.com – Visit Amador Toril‘s Gallery at nuzart.com  

nuzart.com entrevista a la pintora neozelandesa Sara Catena: “Fondest memories of a New Zealand painter”

Si escavara un agujero hasta el otro lado de la tierra me encontraría con Sara Catena,  pintora neozelandesa a la que dedicamos una entrevista muy íntima y personal en el Blog de nuzart.com.  Su  estilo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo alimentándose de  artistas como Wassily Kandinsk,  Henri Matisse o las neozelandesas Rita Angus y Mirka Mora, hasta que llegó el momento en el que definió el suyo propio. Un estilo que se aprecia a través de una amplia muestra de acrílicos que emanan una profunda expresión de sentimientos y que le permiten pintar con la rapidez y la flexibilidad necesaria para poder entretejer historias llenas de color, textura y movimiento.  

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BARGEME , PROVENCE – FRANCIA 

nuzart.com.-¿Por qué decidiste ser artista?, ¿en qué te inspiras para pintar?

Sara Catena .- Hmmmm… Desde niña me ha fascinado el mundo de los colores; su textura y cómo estos pueden manipularse para deleitar la vista. Siempre he encontrado en la pintura y en las manualidades la vía de escape idónea para expresar mis sentimientos y convertir en arte, «ALGO», donde antes no había nada. El hecho de crear es algo verdaderamente emocionante para mí, y supongo que son mis propios sentimientos los que me orientan y me guían para materializarlo.  Hay infinidad de cosas en las cuales me inspiro y que me sirven para expresar  la alegría de la vida… Por un lado me inspiro en mi yo más íntimo para  crear y sentir el disfrute de todos aquellos que intervienen a lo largo de todo el proceso creativo. Por otro lado  me motiva mucho ver hasta dónde puedo llegar como artista y como persona. Y por último, me inspiro en aquéllas cosas que por muy sencillas que parezcan son fundamentales para mí como es la naturaleza que es lo que en definitiva me impulsa a hacer lo que realmente me gusta y a plasmarlo en un papel o en un lienzo. Por otro lado, visitar Galerías de Arte, exposiciones y trabajar semanalmente con otros artistas, me sirve para probar nuevas técnicas y ver las cosas de una manera diferente. También encuentro en las Biografías de otros artistas donde se narran sus experimentos, una valiosísima fuente de inspiración…Es fascinante!!…

nuzart.com.-¿Cómo ha cambiado tu estilo a lo largo de los años?

SC.-A lo largo del tiempo he crecido como persona a través de las relaciones, mis hijos, los viajes y las diversas experiencias que he vivido. Paralelamente lo ha hecho mi obra, no sólo el nivel de habilidad técnica sino que también  ha evolucionado a través de diversos factores que ocurren de forma natural con el tiempo y que indican una mayor profundidad en mi trabajo y evidencian el desarrollo de un estilo único en mi obra.

nuzart.com.-¿Cuándo te diste cuenta de que habías desarrollado tu propio estilo?

SC.-En realidad, hace ya años que llevo observando la existencia de una singularidad en mi estilo. Muestra de ello son los comentarios que la gente ha hecho y que me han servido para darme cuenta de ello y pensar para mí misma: “Ya tengo ese hilo conductor de estilo que teje todas mis obras”. Y es que a veces estás tan metido en lo que estás haciendo, que no te das ni cuenta de cosas fundamentales hasta que otros no te las comentan.

nuzart.com.- Muchas de tus obras tienen un “toque” colonial que recuerda a pintores mexicanos como Diego Rivera o Frida Kahlo… ¿Qué artistas son los que más te han influido?

SC.- Conozco y admiro la obra de Frida Kahlo y Diego Rivera e incluso sus interesantes historias personales tan intensas y llenas de pasión. Hmmm…, hay muchos artistas que me han influido de maneras diferentes, aunque no todos de una forma evidente. Voy a mencionar algunos comenzando por el que más me inspira: Rita Angus (pintora neozelandesa), Wassily Kandinsky (pintor ruso y teórico del arte cuyo uso de la pintura siempre me asombra), el Fauvismo encabezado por Henri Matisse, y por último Mirka Mora (una artista australiana nacida en Francia y que ha contribuido activamente en el desarrollo del arte contemporáneo en Australia).

nuzart.com.-¿Podrías contarnos por qué casi siempre pintas paisajes, retratos y grupos de personas? 

SC.-Bueno, dicen que se pinta lo que realmente se conoce, y el hecho de haber crecido en Nueva Zelanda saca a la luz mis mejores recuerdos de niña y los paisajes que veía cuando paseábamos en coche. Vivíamos en un pequeño pueblo rural a una hora de Auckland y mis padres cada vez que llegaban las vacaciones escolares nos montaban en el coche y nos llevan un lugar diferente (entonces ni existían los mp3). Miraba por la ventanilla durante horas mientras mi mente absorbía los colores, las formas y las texturas de las vistas de los nuevos paisajes. Las pinturas de grupos de personas hacen referencia a la conexión, a la unión y al espíritu de comunidad que viví en mi infancia. Mis padres disfrutaron mucho cuando yo era pequeña y me encantaba cómo me sentía estando allí, inmersa en un grupo grande de personas que se relacionaba felizmente. Cada dos años, sigo volviendo a casa por Navidad para celebrarlo en familia…y es que no hay nada mejor que eso!

nuzart.com.-Dices que pintar con acrílicos te permite la rapidez y la flexibilidad necesaria para entretejer un tema a través del color, la textura y el movimiento y lograr así una profunda expresión de sentimiento … ¿Qué piensas de lo que como artista te permiten Internet y lugares como nuzart.com?

SC.-Una vez que terminas la obra, el siguiente paso es hacer que los demás lo vean y lo disfruten, e Internet permite la conexión global y rápida con los clientes. Sitios como nuzart.com ofrece distintas posibilidades de impresión en calidad óptima y permite poner mi obra a disposición de un público más amplio a un precio más asequible.

nuzart.com.-¿Qué consejo le darías a un artista que acaba de empezar?

SC.-Lo primero que les sugeriría es que viera y estudiara las obras de los grandes maestros. Que se de cuenta de lo que lesgusta, de lo que se hace en pintura y que permita que su mente y sus ojos viajen a través de las obras observando cada detalle. Que vaya a Galerías de Arte, Museos y exposiciones con frecuencia y esté al día de lo que hacen otros artistas. Que elabore un diario o cuaderno de bocetos donde anote todas sus ideas y guarde recortes de artículos, dibujos o fotos  que le hayan llamado la atención  (por ejemplo, la sombra de una manzano en azules y morados…). La naturaleza es un recurso excepcional para un artista, no sólo por lo que es, sino también por las ideas e información que proporciona a cerca del color. Mientras más mira más se ve. Un diario te permite grabar y almacenar las cosas que te han inspirado a lo largo del día y te proporciona una fuente personal de recursos para tu obra. Cuando llega el momento de ponerse a pintar, tan sólo tienes que revisar tus notas e interpretar. El mayor crecimiento personal de un artista llega cuando te das a ti mismo el “permiso” de hacer lo que quieres: permiso para hacer algo diferente – probar nuevas técnicas, nuevos materiales o nuevos colores-, permiso para cometer errores y, en definitiva … crecer como artista. A mí personalmente, este es la fase que más me gusta de un artista y la practico con cierta frecuencia. Te libera y te aporta un crecimiento personal fantástico!!

nuzart.com.- Gracias Sara. Ha sido un placer poder entrevistarte y tenerte en nuzart.com.

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Sofía

**********ENGLISH VERSION**********

If I dig a hole to the other side of the earth, I would meet Sara Catena, a New Zealand painter to which we devote a very intimate and personal interview in the Blog of nuzart.com. Her style has evolved and changed over time taking inspirations from artists like Wassily Kandinsk, Henri Matisse, or New Zealand artists Rita Angus and Mirka Mora, until she finally defined  a personal and unique style, displayed and visible throughout her large sample of acrylic paintings that emanate energy and a profound expression of feelings which allows her to paint with the swiftness and flexibility to weave stories full of color, texture and movement.

nuzart.com.-Why are you an artist?, what inspires you to paint?  

Sara Catena .-Hmmmm..Since a young child I have always been attracted to the manipulation of colour and texture to please the eye, I have always expressed myself through art and craft,  absorbed myself making something where there was previously nothing, this practical act of creating is thrilling for me. I guess it is the feelings I have when doing this that indicate to me that I am doing what I love and then the outcome is another thing, a lasting product of that enjoyment and expression. I am inspired to create works that express a joyousness of life, a delight I guess you could say. Several things inspire me to paint….one is this huge internal drive to create and to feel the enjoyment of all that comes with that process as I just mentioned , another is to see how far I can push myself and how good it feels to grow and develop as I do in myself personally. Then there are simple things that literally inspire me to paint such as nature either by its re-charging nature it pushes me do to what I love or I may see something I want to interpret onto canvas or paper. Also working with other artists (which I do on a weekly basis) inspires me to try new techniques and see things differently as does regular visits to regional and state galleries. Another of my favourite things is reading about the life of another artist and their trials and tribulations, this I find fascinating and most inspiring!!!  

nuzart.com.-How has your art changed over the years?   

SC.-I find that as I have grown as a human being over time (through relationships, parenting, travel, new and different experiences) my work has naturally paralleled that growth.  I notice that not just the technique and skill level has improved as things do naturally with time, however there is a greater depth to my work and obvious indicators of it being specifically “my” work. I have developed a style of working that is me uniquely. 

nuzart.com.-When did you first notice you had developed your own unique style? 

SC.-Really for many years now I have seen this uniqueness developing. People would comment on it also and I would think to myself “Oh yeah, there is this strong thread running through all of my work”. Sometimes you are so involved in what you are doing its not until others point it out that you really see.

nuzart.com.-You have an colonial touch that reminds us of mexican painters such as Diego Rivera or Frida Kahlo in many of your paintinigs…What artists have influenced you and why? 

SC.-I do know and love some of Frida Kahlo and Diego Riveras work, their personal stories I also find most interesting, such strong, passionate clever human beings. Hmmm….So many artists have influenced me in so many different ways, not all obvious. I will mention a few starting with the very first artist to inspire me:  Rita Angus (a new Zealand painter);  Wassily Kandinsky (a Russian born painter, and art theorist whose use of paint always astounds me);  The Fauvists lead by Henri Matisse and  Mirka Mora (a prominent French-born Australian  artist who has contributed majorly to the development of Contemporary Art in Australia).

nuzart.com.-Could you share some more about why you mainly paint landscapes and figures in groups? 

SC.-Well they say that you paint what you know and being brought up in New Zealand my fondest memories are the landscapes passing me by as we drove somewhere in the car. We lived in a small rural town about an hour out of Auckland and my parents would pack us up and take us somewhere new every school holidays and (in the days before mp3 players) I would just gaze out the window  for hours – my mind absorbing all the colours and shapes and textures of new sights. The figures in groups are about connection, togetherness and community, and are also another feature of my childhood. My parents entertained a lot when I was young and I loved how it felt being amongst a large group of people happily socializing. I still return every second year for a large New Zealand family Christmas, nothing like it!

nuzart.com.-You say that painting with acrylics allows you the swiftness and flexibility to weave a theme of colour, texture and movement and achieve a deep expression of feeling…What do you find that internet or sites like nuzart.com allow you? 

SC.-Once the work is finished the next objective is to have others enjoy it and the internet allows for swift global connection with  clients.  Sites like nuzart.com offer optimal quality print versions of my work available to a broader audience who may not want to pay for an original.  

nuzart.com.-What advice would you give to an artist just starting out? 

SC.-The first thing I would suggest is looking at the work of the great masters. Notice what you like, what works in the painting, allow your mind and eyes to travel through the paintings and notice every detail. Visit your State, regional and local gallery frequently and study what other artists are doing and have done. Keep a journal, sketch book or pin board handy where you can add notes of an idea/or something torn from a magazine…a sketch, a photo, a memory, something you notice that catches your attention. (For example, the shade of the apple tree has blues and purples in it). Nature is a considerable resource not only for subject matter but also for colour ideas, and I find that the more I look the more I see. A journal allows you to record and store inspiration as you go through your day and gives you a unique personal resource for your work. When it comes time to paint, you can review your notes and easily assess your direction. The greatest growth at any given time comes from giving your self “Permission”. Permission to do something different – try new techniques, new materials or new colours. Permission to  make mistakes and ultimately … grow. I personally love this step the most and practice it often. It is freeing and brings fantastic growth.  

nuzart.com.- Thanks Sara. It’s been a real pleasure to have interviewed you and having you among the artists of nuzart.com

El Hiperrealismo Pop de Aurora Rumí

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Trinity Fly de la Serie Playa

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Postgraduada por la Universidad de Leicester (Inglaterra), Aurora Rumí (Almería, 1977) posee un currículum repleto de Exposiciones, Premios y Menciones especiales. Con dos de sus principales series, –Playa y Slumming on Past-, inauguramos una nueva sección de entrevistas a los artistas de nuzart.com, para ofrecer una visión más completa sobre su perfil y su obra.

-¿Cuándo decidiste introducirte en el mundo del arte?-. Desde pequeña

-Mezclas escenas clásicas con elementos modernos y cotidianos…¿Cómo definirías tu estilo?-.Busco divertirme y divertir al observador de mi obra y adoro la  belleza por su mero disfrute estético.

-Utilizas encuadres originales y poco convencionales en los que se fragmentan a los personajes que aparecen en priner plano, ¿es una manera de romper con lo previsible o una manera de captar las imágenes como si se tratara del clic de una cámara?-.Intento quedarme con la porción de imagen que me cuenta algo interesante, huyo del exceso de información y oculto partes de la figura humana ( como la cara) a modo de juego erótico. Me gusta no mostrar ciertas partes para dejarlas a la imaginación.

-¿Te sientes inspirada por el surrealismo y el Pop Americano?-.Muy fuertemente, aunque adoro los contrastes y ando buscando mezclar en mi obra la pureza de formas del pop con las pinceladas mas sueltas del expresionismo abstracto.

-Edward Hopper o William Eggleston. ¿Si tuvieras que elegir entre estos dos artistas, con cuál te quedarías?-. Sería difícil. Adoro la obra de Hopper, aún no considerándome paisajista, me encantan sus casas solitarias a pie de playa. Eggleston es más actual y aprecio de su obra detalles similares en los que también muestra la soledad en interiores apagados de habitaciones de motel…

-¿Cómo ves el arte del S.XXI?-.Confuso, me resulta difícil adoptar perspectiva o quizá es que posiblemente no posee una identidad tan pura como las que hayamos podido disfrutar en otros momentos. Tras la crisis surgirán importantes obras de arte.

Con la serie PlayaAurora nos traslada a un entorno ideal e icono de las vacaciones, donde pequeños sindicatos del entretenimiento se concentran a nuestro alrededor bajo una estética espontánea y popular carente de ornamento. El paisaje desaparece para realzar las cualidades de los personajes que flotan sobre el telón de un entorno que se desmaterializa y donde las acciones adquieren un protagonismo absoluto. Con una mirada optimista y un gusto por lo banal sin cánones estéticos ni simbolismos ocultos, Aurora inventa historias que mezclan lo mejor del Hiperrealismo y el arte Pop.  

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Love Crazy de la Serie Slumming on Past

Slumming on Past (Callejeando por el pasado), presenta el umbral que invita a un irreverente paseo por escenas costumbristas de otra época, donde personajes faltos de identidad viajan a barrios del pasado en busca de entretenimiento, y que como en los sueños, el misterio o el surrealismo, evocan una sensación atemporal en la que las imágenes inconexas cobran sentido. 

 
Funny Things
Beach Dance
Pasion por el Sol

Visitas las Galerías –Playa y Slumming on Past– de Aurora Rumí en nuzart.com y adquiere sus obras en el tamaño y material de impresión que desees.