Tío Pepe se va por una temporada

Tío Pepe Miguel Pereira

La Puerta del Sol de Madrid se ha quedado este lunes sin uno de sus símbolos más internacionales, el cartel de Tío Pepe que desde 1935 preside este espacio desde lo alto del edificio del número 1, de donde ha sido retirado para preservarlo mientras se realizan obras en el inmueble.

Éste fue uno de los pocos carteles publicitarios que se salvó de la ‘criba’ realizada por el Ayuntamiento con la ordenanza de Publicidad Exterior, que desde febrero de 2009 prohíbe este tipo de anuncios en las azoteas y fachadas de la capital, permitiendo sin embargo algunas excepciones como ésta, el cartel de Schweppes o el famoso Toro de Osborne.

El cartel de Tío Pepe es uno de los iconos más famosos del país, y actualmente es el único neón que queda en el kilómetro 0 de la capital. Fue diseñado por Luis Pérez Solero para las González Byass en homenaje al tío del fundador de la compañía, y la clave de su éxito estuvo en lo simple del concepto: una botella de Jerez con una chaquetilla, sombrero cordobés y una guitarra.

Así, el famoso ‘Sol de Andalucía’ podrá continuar mirando pasar la vida desde su privilegiada ubicación, donde fue instalado para conmemorar el primer centenario de la bodega. Sin embargo, durante este paréntesis siempre seguiremos teniendo la oportunidad de visitar la galería denuzart.com para seguir disfrutando de su originalidad y belleza.

Tio Pepe | mvaldivieso

Last Monday, one of Madrid’s most international symbols, Tio Pepe’s billboard  which presides the Puerta del Sol from the top of the building at number 1 -since 1935-, has been removed to preserve it while rehabilitation work is being done in the building.

This was one of the few billboards that “escaped” from the Outdoor Advertising Ordinance held by the City Council in February 2009 that prohibits advertisements on the roofs and façades of the capital, allowing only some exceptions for iconic billboards and neons such as Tio Pepe,Schweppes or Toro de Osborne.

Tio Pepe´s billboard is one of the most famous icons of Spain, and is currently the only neon that remains at Madrid’s Puerta del Sol, known as the “km 0? of the capital. It was designed by Luis Perez Solero for Gonzalez Byass  in tribute to the uncle of the founder of the company, whose key to success was simple in concept: a bottle of sherry wearing a jacket, a typical cordovan hat and a guitar.

After completing the renovation of the building, the famous Tio Pepe‘ will be able to continuewatching life pass from its privileged locationwhere it was installed to commemorate the firstanniversary of the wineryMeanwhile, during this period, we will always have the opportunity to visitnuzart.com’s gallery to continue to enjoy its uniqueness and beauty.

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 Gran vía | Amador Toril

THE YELLOW MOOD: ENTREVISTA A FRAN BATALLER, GANADOR DE LA SEMANA URBAN DEL CONCURSO 12X7 DE NUZART.COM

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Fran Bataller | Yellow Cab

THE YELLOW MOOD

“La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado…” (Arnold Newman) , “…y que muchas veces queremos compartir.” (Fran Bataller).

Frases célebres de artistas y fotógrafos reconocidos como Arnold Newman o Auguste Renoir son la carta de presentación de Fran Bataller (Madrid, 1985). Su formación como Ingeniero Geológico no le ha impedido dedicar parte de su tiempo a hobbies como el cine o la fotografía, faceta en la que se ha ido especializando y formando desde hace ya algunos años. Su interés por esta disciplina le ha llevado además a participar en varias ediciones de concursos como Universia, Fototalentos o 12×7 de nuzart.com, donde ha resultado ganador de la semana URBAN con su Yellow Cabtítulo de su obra y término con el que popularmente se conocen a los míticos taxis amarillos de la Gran Manzana.

Los taxis de Nueva York son un clásico y parte de su inconfundible paisaje urbano. Se deslizan iluminando las calles como si fueran luciérnagas dejando tras de sí una estela capaz de convertirse en el foco de atención o de desvanecerse entre la multitud. Y es así es como lo refleja Fran Bataller: un barrido espontáneo, un respiro entre la multitud, un estilo. Es “The Yellow Mood“.

-¿Para ser fotógrafo hay que ser primero artista?

Yo creo que no, de hecho yo no me considero artista, pero si fotógrafo. Lo que si que hay que hacer es ser muy insistente, interesarte, leer, ver fotos, pensar lo que quieres, cómo lo vas a conseguir, disparar, ver en que te equivocas y corregirlo en la siguiente toma. La creatividad tiene un factor importante, claro, pero me parece más importante el poder hacer que una foto represente un momento que TÚ has vivido y quieres compartir con la gente, y esto se aprende con la experiencia.  Después de ver y hacer muchas fotografías vas ganando recursos que luego puedes ir utilizando.

-Los barridos fotográficos te permiten…

No solo congelar un instante (como cualquier fotografía) si no congelar un objeto en un instante que aún fotografiado sigue en movimiento.

-Te presentas haciendo referencia a grandes fotógrafos y artistas como Arnold Newman o Auguste Renoir…¿qué destacarías de cada uno de ellos?, ¿de qué manera han influido en tu forma de fotografiar?

De Auguste Renoir me encanta la capacidad que tiene de plasmar algo tan complejo (concretamente los retratos que tiene, aunque reconozco que no entiendo mucho de arte) de una forma tan simple y tan elegante a su vez, perfecto. Siempre me han gustado las fotografías o cuadros sencillos, y a mi parecer considero que es muy difícil y digno de admiración el poder hacer que algo tan simple sea tan agradable a la vista. Muchas veces intento conseguir lo mismo, buscar cosas en mi entorno, que aparentemente parezcan complejas y con muchos elementos y buscar un encuadre que lo haga parecer mucho mas simple pero agradable a la vista. También intento muchas veces buscar simetrías donde no las hay, cosa que no siempre consigo =(. Otra cosa que quiero mencionar que algo que me ha influído mucho son los encuadres que utiliza, ya que son perfectos (para mi gusto).

Arnold Newman siempre me ha parecido uno de los mejores fotógrafos de la historia por sus retratos. Antes de meterme en el mundo de la fotografía, en el cual entre hace unos 4 o 5 años, yo creía que un retrato era eso, un retrato, una fotografía de una persona, pero al ver la forma en las que Arnold Newman retrataba a la gente me parecía increíble, el incorporar objetos de una forma tan creativa y el uso que hace del blanco y negro me parece perfecto.

-Hemos visto que la mayor parte de las veces tus fotografías están realizadas en color…¿Cuáles son para ti los condicionantes que hacen que te decidas por el color o el blanco y negro?

Antes si que tiraba en blanco y negro, pero actualmente, con las nuevas tecnologías no lo hago, ya que el mundo digital da muchas facilidades. He de reconocer que pocas veces a la hora de disparar normalmente no se (bueno, alguna vez si) si la fotografía será en ByN o en color. Luego las veo y cuando intento retratar mi punto de vista en ese momento en concreto decido si utilizo color o no. El color me parece un recurso muy útil, aunque también me atraen mucho las gamas de blanco y negro, pero muchas veces me da la sensación de que una buena fotografía en blanco y negro es mucho mas difícil de obtene.

-¿Qué supone para ti ser el ganador de la Semana URBAN del Concurso 12×7 de nuzart.com?

Pues la verdad es que es la primera vez que gano un concurso de fotografía y me produce una gran satisfacción saber que hay gente a la que le gustan mis fotografías, y que no soy el único “fan” de mis fotos. Jejeje.

 

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THE YELLOW MOOD

“Photography, as we all know, is not real at all. It is an Illusion of reality with which we create our own private world…” (Arnold Newman), “…and which, so many times, we want to share”. (Fran Bataller)

Famous quotes by renowned artists and photographers such as Arnold Newman or Auguste Renoir, are Fran Bataller’s (Madrid, 1985) way of presentation. His years of study to become a Geological Ingeneer have not been an impediment to devote part of his time to hobbies such as cinema or Photography, facet which he’s trained and specialized in recent years. His interest in this discipline has also led him to participate and get involved in several editions of contests like Universia, Fototalentos or nuzart.com’s 12×7 Photography and Illustration Contest. And it’s precisely in this latest contest, where he has been proclaimed winner of the URBAN week with his Yellow Cabtitle of his work and term popularly used to define these iconic yellow taxis.

New York Taxis are a classic and a distinctive part of its urban landscape. They wander the streets shinning like fireflies leaving a trail which is capable of becoming the focus of attention, or to vanish in the crowd. And this is exactly how Fran Bataller reflects it: like a spontaneous quick scan, a respite from the crowd, a style. It’s The Yellow Mood.

-To be a good photographer, do you think it is necessary to be an artist?

I don’t think so. In fact, I don’t consider myself an artist but a photographer. What you’ve got to do is to be constant, interested, to read, to view lots of things and photos, think about what you really want to get, and to learn from your own mistakes again and again. Creativity is an important factor, of course, but it is even more important to take a picture which represents a certain momento that you’ve lived and want to share with people. An this is only learned through expirience. After viewing and taking lots of pictures, you gain resources which then can be used.

-Photographic scans allows you to…

…not only to capture a still image from a moment in time (as on any picture), but also to get a still image of an object at a certain instant, which despite of being captured keeps on moving

-You make reference to great photographers and artists such as Arnold Newman or Auguste Renoir…what would you highlight from them both? , In what way do they’ve influenced your photographic style?

From Auguste Renoir I love his hability to capture things in such a cimple and elegant way at the same time. I’ve always liked simplicity in Photography, and in my opinión I think that it’s very difficult and admirable being able to get something to simple into something so pleasing to the eye.

Arnold Newman has always been one of my favourite portrait photographers. Before I landed into the world of photography 4 or 5 years ago, I thought that a portrait was just a portrait, a simply picture of a person…, but over the years, and seeing how Arnold Newman portrays people, I realized how amazing they really were. His so creative way to incorpórate objects, his use of black and White…He is just perfect.

-We have noticed that most of the times your photographs are taken in color…, what are the conditions that determine whether a photograph will be in color or in Black and White?

I used to take B&W pictures, but for sometime now, with new technologies, I don’t because the digital world provides many facilities. I must admit that when I take a picture, I rarely know if it will be in color or in B&W. And it’s once I’ve looked at them from my own point of view when I decide if i’ll use color or not. I think that color is a very useful resource, but sometimes I get the feeling that a good B&W photography is much more difficult to obtain.

-What does it mean for you to be the winner of URBAN week of nuzart.com’s 12×7 Contest?

The truth is that it’s the first time that I win a Photography Contest. It gives me great satifaction and makes me glad to see that out there there are people who like my works, and to know that I’m not the only fan o them!! Ha ha ha!

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Still shopping for Xmas presents?

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Silent Night | Dorit

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Refugio by Edu RejónNew York Flat by LuigiChristler Building by Pedro Santomera

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Interior by ImodAccidente en la lavadora by Imagina  | New York by jmsuarez

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San Francisco by Amador TorilHomenaje a Stieglitz, New York by Carlos Sanchez | Flores bajo el mar by marioentero

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ENTREVISTA A SAIOA MÁRQUEZ – GANADORA DE LA SEMANA “ARQUITECTURA” DEL CONCURSO 12X7 DE NUZART.COM

 

Berlín | Saioa Márquez

MUNDOS PARALELOS

Su debilidad por el arte se reivindicó desde su infancia  a través de dibujos y diseños que poco a poco fue madurando y materializando de una forma más profesional. Saioa Márquez (Bilbao, 1978), Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, nos muestra a través de sus fotografías escenas extraídas de la realidad pero expuestas de una manera muy diferente a la que nuestros ojos son capaces de percibir a simple vista. Y es que lejos de plasmar una realidad lineal, objetiva o convencional, Saioa nos conduce hacia un plano mucho más sofisticado envuelto de creatividad que fluye paralelo a la realidad. Son imágenes reconocibles pero interpretadas de otra manera. Un mundo audaz e imaginario cuyo origen está en el click y que poco a poco se va incubando en un proceso artístico reservado exclusivamente para el artista.

Su obra Berlín, ganadora de la semana de la Arquitectura del Concurso de Fotografía e Ilustración 12×7 organizado por nuzart.com, es parte de este proceso creativo donde se funden  arquitectura, fotografía e ilustración sin solaparse. Un perfecto entramado de mundos paralelos que se traducen en Arte.

-¿Cuándo te iniciaste en la fotografía?

En los últimos años de la universidad empecé a interesarme por la fotografía y mi tío me regaló su cámara reflex que el no usaba. He aprendido por mi cuenta.

-¿Cómo definirías tu estilo?

Me gusta trabajar sobre realidades que me encuentro en la calle y sacarlas de contexto, intentando no perder realismo. También me encanta abstraer figuraciones, aunque no tengo un único estilo.

-¿El retoque fotográfico es parte del proceso artístico de una obra?…

Si, desde luego que es un proceso artístico, uno más. Es el artista quien elige si quiere utilizarlo o no. Hay debate. Para cierta gente el retoque pone en duda el valor artístico de la fotografía. Yo no soy purista y creo que cuando las cosas están bien hechas, da igual que sea pintura, foto, analógico o digital. Valoro la sinceridad de los artistas y creo que debemos de indicar las técnicas utilizadas. Está la falsa creencia de que lo digital “se hace sólo”, algo completamente falso, hay mucho trabajo detrás del digital y para procesar una fotografía también hay que saber mirar, exactamente igual que cuando sacas la foto.

-Cuando haces una foto a algo concreto, te imaginas cuál será el resultado…?

Si, aunque eso no quiere decir que lo vaya a conseguir. Los conceptos me rondan por la cabeza, ya sean visuales o no. De una sesión entera igual sólo en unas pocas fotografías he conseguido lo que buscaba, y a veces ¡en ninguna lo logro!. Tampoco siempre depende de ti, de ti depende la creatividad o la técnica, pero en mi caso que no me gusta alterar la realidad ésta no siempre está como uno quiere, evidentemente.

-El resurgimiento de la fotografía con las nuevas tecnologías es….

Muy interesante y cansino. Resurgimiento no diría tampoco, han nacido nuevas técnicas, se han abaratado los costes dando más oportunidades a más artistas y eso siempre es bueno. Aunque también es difícil hoy en día encontrar cosas interesantes porque hay tanto… hay que buscar bien para encontrar calidad.

Y la tecnología también es cansina porque avanza muy rápido, los programas de procesado, mejoras en las cámaras… a mi me encantan estos avances, pero no se si seré capaz de seguir a este ritmo toda la vida… A saber que tecnologías manejamos dentro de x años. Por ejemplo he oído que alguna marca se está planteando quitar el visor de las cámaras profesionales, me parece una barbaridad! Espero que no pierdan el norte.

-¿Qué fotógrafos o artistas han influido en tu estilo y en tu manera de ver las cosas?

A montones… me encantan esa visualidad tan inquietante que transmiten David Lynch o por decir alguien más cercano Julio Medem. Fotógrafos, desde los clásicos como Stieglitz, Doisneau, Lisette Model por su espontaneidad, Cindy Sherman con sus “autorretratos conceptuales”… a los más actuales.

La mayoría no se ni quienes habrán sido… tantas cosas me han podido influenciar.

– Si tuvieras que elegir tu fotografía preferida sería…

Cuando me preguntan cual es para mi la mejor, me suelo bloquear, no tengo una mejor. Una de las que me han gustado mucho es la serie “Hope” de Erwin Olaf.

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SAIOA MÁRQUEZ: WINNER OF THE “ARCHITECTURE” WEEK OF NUZART.COM’S “12X7” PHOTOGRAPHY AND ILLUSTRATION CONTEST.

PARALLEL WORLDS

Saioa’s penchant for art was evident at an early age, particularly with pencil drawings and designs which have been developed and professionalized over time. Saioa Márquez (Bilbao, 1978), who has a degree in Fine Arts from the University of the Basque Country, shows us through her photographs, scenes taken from reality but displayed in a very different way from what our eyes percieve at first sight. And far from translating a “linear”, objective or conventional reality, Saioa leads us to a more sophisticated level wrapped in creativity that runs parallel to reality…, recognizable images but interpreted differently. A bold and imaginary world that begins with a simple click to be gradually incubated in an artistic process reserved exclusively for the artist.

Her work Berlín, -winner of the “Architecture” week of nuzart.com’s “12×7” Photography and Illustration Contest-, is part of this creative process that fuses architecture, photography and illustration without interference or overlap between them.  A perfect set of parallel worlds that are translated into ART.

-When did your passion for Photography start?

In my last years of University I became interested in Photography, and my uncle gave me his SLR camera. Since then, I’ve learned on my own.

-How would you define your style?

I like working on realities that I find out on the street and get them out of context trying not to lose realism. I also like abstract figurations, although I don’t focus my work on a particular style.

-Do you think that the Image retouch / photo manipulation is part of the artistic process of an artwork?

Yes of course it’s an artistic process. And it is the artist who decides whether to use it or not. But there is debate about it. For some people, Photo-Retouching calls into question the artistic value of Photography. I’m not a purist and I think that when things are well done, no matter if it’s a painting or photography, either digital or analog. I appreciate the sincerity of the artist and I also think that we should all indicate and report the techniques we use. There is a false belief that digital photography is done by itself: something competely false as there is much work behind the digital process and also because to take a picture you must know how to look.

-When you take a picture of something specific, can you imagine what will the outcome be?

Yes, but it doesn’t always mean that I’ll achieve it. Concepts and ideas swarm through my head and, off an entire sesión, I might only get what I wanted from a few pictures, and sometimes from none of them. It’s not always up to you. Creativity or technique depend on me, but in my case I don’t like to alter reality as it’s not always as I would like it to be, obviously.

-The resurgence or “revivel” of Photography with new technologies is…

Very Interesting but tiring. I would not say “Revival”; new techniques are born, costs have been reduced, giving more opportunities for more artists…and this is always good. Although, nowadays, it’s difficult to find interesting things because there are so many… We have to seek a lot to find something really good.

And Technology is also stressful because it goes so fast!…New processing programs, improvements in cameras….I love all these developments, but I don’t know if I’ll be able to continue at this ratea ll my life…Who knows how technologies will be in “x” years time. For example: I heard that a popular Brand is considering removing the viewfinder from the profesional cameras…I think this is outrageous! I hope they don’t lose the sense…

-What photographers and artists have influenced your style and your way of seeing things?

There are so many!…I love that so disturbing visual style that convey David Lynch and Julio Medem. And photographers, from classics like Stieglitz, Doineau, Lisette Model for her spontaneity or Cindy Sherman with her “conceptual self-portraits”…, to the most current ones. And others, who are the majority, I don’t even know who they could have been… So many things have influenced me.

-If you had to choose your favourite picture it would be…

When someone asks me which is the best for me, I get “blocked”, I haven’t got a favourite one… but one that I really like is the series “Hope” by Erwin Olaf.

COMIENZA YA 12X7, el concurso de Fotografía e Ilustración de nuzart.com

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Hoy comienza  12×7, un concurso de Fotografía e Ilustración para artistas y fans, organizado por nuzart.com en facebook.com/nuzart.Semanalmente el equipo de Nuzart realizará una selección de 12 obras de los artistas que quieran participar en el concurso 12×7 subiendo sus fotos en nuzart.com. La selección se expondrá en facebook.com/nuzart para que los fans puedan votar la imagen ganadora, a través del botón “Me gusta”. La imagen que consiga más clicks “Me gusta” en el plazo de una semana, será la ganadora.El concurso conlleva premios tanto para los artistas que resulten ganadores como para los fans que participen en la votación de las obras. Los artistas recibirán como premio una campaña de publicidad en Facebook, además de una serie de acciones de comunicación que otorgarán una gran visibilidad a sus obras. Por otro lado, entre todos los fans que participen en el concurso con su voto, se sorteará una reproducción de la obra ganadora del concurso, impresa como lámina fotográfica de 30*40cm.

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12×7 starts today: a Photography and Illustration contest for both artists and fans, organised by nuzart.com at facebook.com/nuzart.Every week, Nuzart’s team will make a selection of 12 artworks of the artists participating in the 12×7 contest. This selection will be displayed and posted on facebook.com/nuzart, so that fans can vote the winning image by clicking the “I like it” buttom. The picture with the most “I like it” votes within a week, will be the winner.The contest rewards both the winner artists and those fans who participate in the vote of the artworks: The artists will be rewarded with an advertising campaign on Facebook, as well as a series of communication activities that will give greater visibility to their work. Among all fans participating in the contest with their votes, a reproduction (printed on a 30*40cm photographic sheet) of the winnig artwork will be drawn.

Josh Jenkins

God Contemplating Man

Josh Jenkins is a skilled and experienced web & graphic designer, illustrator, painter and photographer. He has been working on a wide range of projects for over the past 5 years. Josh will have a BS in Digital Media with a Studio Art Minor from Marist College (Poughkeepsie, NY) in 2010. He has shown his paintings around the Hudson Valley, NY and in Philadelphia, PA. Visit his gallery at joshjenk.nuzart.com

God and the Devil
Sunbather
Lovers Embrace

Sígenos en facebook.com/nuzart

Follow us on nuzart/Facebook and find a great selection of works updated every week | Síguenos en nuzart/Facebook y encuentra la mejor selección de obras de los artistas nuzart.com publicadas cada semana:

In addition, if you are the artist of any of the featured works released at nuzart/facebook, you’ll be able to tag yourself if you like! | Y si además eres el autor de alguna de la obras que aparecen destacadas en el album de nuzart/facebook, podrás etiquetarte en ellas!

“The lights, the freeway traffic and the industrial look made this an image just waiting to happen”.- Bob Mead

“The lights, the freeway traffic and the industrial look made this an image just waiting to happen”.- Bob Mead

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Industrial Strip (Digital photography with a fresco layer applied. Part of the playing tourist in the city series)| Bob Mead

Born and raised in Cleveland (Ohio), Bob Mead moved to Los Angeles (California) at the age of 18. He bought his first camera at age 9 – a Kodak Brownie. Then, a “love affair” started. He was raised on and studied black & white film. He shoot 35mm B&W, 35mm transparency and large format film. He moved into digital shooting 8 months ago. He likes nature’s architecture and man’s architecture. Things he is attracted to in an image are lines, colors and shapes. With flowers he likes to move in close and sometimes just go for details. Other times it’s the shape and or color. There is nothing more simple than a line – be it straight, curved or bent. It can be just one line or many – bold or subtle – a part or the whole as long as it says something to me. Architecture has the same appeal – lines and shapes and to some extent the location. If the location adds to the architecture or the general feeling then fantastic. His preference is film for black and white and for color I’m split between Fuji velvia transparency film and digital. He is now beginning to move into large format black & white film with the purchase of a Zone VI 4×5 field camera. Next year he will do photography 100 per cent of the time and make his living from his passion. His image of “Callas in Sepia” was selected for this year’s Carmel Art & Film Festival. Carmel California is one of the greatest artist colonies in the world so to have been chosen was a real honor. The image will hang in a gallery until October 30th and then 10 artists will be picked to go on to New York… Good luck Bob!!

Flowers(14)

Architecture(7)

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In the frame: Simon Currell

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Gideon | Simon Currell

Simon Currell‘s artwork (1976, Harrow – Middlesex. 33 yr old digital artist), has been motivated by over twelve years experience in employment as a telephone sales representative and is inspired by a perception of how corporate space has become commoditized within call centre workplaces. The artworks investigates how employees react to this perceived objectification through assimilating or appropriating objects within their work environment.

The artworks are created by manipulating and appropriating imagery, objects and general processes commonly associated with office-based work. The objects used for my artwork includes office partitioning, appliances, stationery and gadgets, whilst the photographic images he has generated also frequently refer to the general modular design plan of the call centre itself. The works establish and develops practicable artistic modes of inquiry, ones compatible with his own working terms of employment as a call center agent. Thus the artworks are frequently conceived in, experimented with and in some cases resolved from this workplace setting. The intention behind working in this way was to shift aspects of his artistic practice outside the conventional realm of a studio setting and relocate it firmly within the codes, conventions, expectations and environment of the companies facilitating my employment as a telesales representative.

The premise for such an investigation starts from the idea that company time and resources can become misused, reenergized and translated as an expressive means for communicating human emotion and creating art. It is his assertion that this act may be viewed as a humanizing impulse or form of resistance against what is arguably described as a dehumanizing and alienating workplace.

His artworks investigate spatial, material, digital and conceptual methods of interpreting call center workplaces. His research has used repetition, automation and homogeneity as an expressive means for creating art. As his artworks attest, these creative methods articulate a degree of dehumanization and methodical order that he perceives to be integral to the call center environment. The research develops a highly formal range of visual material that is approached with a deliberately fetishistic attention to detail. It is a body of work that investigates the culture of the contemporary call centre and navigates the processes of workplace assimilation and appropriation.

 

call centre aerial view
By: simoncurrell

 

Hole-Punched worker
By: simoncurrell

 

Churn 1
By: simoncurrell

Visita la Galería de Simon Currell y adquiere sus obras en el tamaño y material de impresión que desees en nuzart.com –  Visit Simon Currell’s gallery at nuzart.com and acquire any of his artworks in the size and the printing material that you wish.

Moderno Cubismo

En el arte como en la moda, se reinventan los estilos, se crean reediciones de los diseños más conocidos y se reinterpretan a artistas del pasado. Todo se va para volver con aires nuevos, unos aires que que soplan a criterio de los nuevos artistas con una marcada influencia que se inspira mirando hacia atrás. Pedro Susial, artista digital y publicista retirado, reinterpreta el cubismo que tantas veces hemos visto en los cuadros de Picasso. Su obra Joven con sombrero, recupera las formas cubistas creando un mosaico de colores vivos y planos, para encerrar el rostro de una mujer marcado por líneas rectas a excepción de los labios, los ojos y el sombrero. Es aquí donde Susial propone su seña de identidad con un nuevo cubismo digital propio del siglo XXI.

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Joven con sombrero | Pedro Susial

In art, as it is in fashion, the styles are reinvented creating new editions of the most popular designs and reinterpreting artists of the past. Everything goes and comes back with new airs; airs that blow at the discretion of new artists with a strong influence that is inspired by looking back. Pedro Susial is a digital artist and a retired publicist who reinterprets the Cubism that many times we have seen in the paintings of Picasso. His “Joven con sombrero“, retrieves the cubist forms creating a mosaic of vibrant and “flat”colors, to enclose the face of a woman marked by straight lines with the exception of the lips, the eyes and the hat. It is here where Pedro Susial proposes his trademark with a new digital cubism which is very appropriate for the XXI century: today.