FRANCESC CATALÁ-ROCA EN LA PEDRERA …

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FRANCESC CATALÁ-ROCA EN LA PEDRERA

Salvador Dalí saltando a la comba, Hemingway en el San Fermín de 1956 o unos seminaristas de Cuenca en fila india son algunas de las 200 imágenes que se exponen hasta el 25 de septiembre en La Pedrera de Barcelona de Francesc Català-Roca, considerado el mejor fotógrafo documental de la España del siglo XX.La muestra se completa en esta ocasión con una selección de la obra del artista relacionada con la arquitectura, a la que se dedicó de forma intermitente a lo largo de su carrera. También se exponen las fotografías realizadas durante una corrida de toros en la finca de Luis Miguel Dominguín en Cuenca. Estas están sin enmarcar y sin vidrio, porque “así es como le gustaban a Català-Roca”.El comisario de la exposición, Chema Conesa ha defendido que a lo largo de su trayectoria fue “un hombre tremendamente práctico, con una fuerte personalidad”, que creía que el arte era “convertir un momento en una imagen potente de la memoria”.Los años cincuenta y sesenta quedan fijados en sus negativos, donde juega con las sombras, los encuadres, la luz. “Habla -según el comisario Conesa- de una España triste y de penumbra, en plena postguerra”.Porque Català-Roca, que pudo plantar su cámara ante importantes personalidades del momento, es también quien reflejó la vida de los pueblos de la Castilla interior, con las calles sin asfaltar, o de las plazas de las grandes ciudades como Madrid y Barcelona, con sus “señoritas” paseando por la Gran Vía, sus marines visitando el barrio chino o sus vendedores de crecepelo en las esquinas.En la muestra se da cuenta, por otra parte, de la amistad que mantuvo con los pintores Salvador Dalí y Joan Miró, con quien se entendió mejor que con el primero por tener un carácter más afín.Respecto a si quiso en algún momento hacer discurso político con su obra, su hijo Martí ha aseverado hoy que a su padre siempre le gustó “estar al día” de todo lo que ocurría, pero con “la realidad tenía ya bastante”.La exposición, que se clausurará el 25 de septiembre, también permite conocer algunas de las cámaras que utilizó el fotógrafo.El recorrido termina con una serie dedicada a la fotografía de arquitectura, con visiones diagonales, picados y contrapicados, especialmente de edificios emblemáticos de la Barcelona de la época, desde el Walden 7, al edificio de viviendas “Casa de los Toros”, y con dos documentales sobre su vida y su obra.

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FRANCESC CATALÁ-ROCA AT LA PEDRERA

Salvador Dalí jumping with a rope, Hemingway in 1956 San Fermín or a few seminarians waiting in line are some of the 200 images that will be exhibiting until September 25th in Barcelona’s Pedrera. The author is  Francesc Català-Roca, considered Spain’s best documentary photographer of the XX century.The exhibition shows a sample of the artist work related to architecture, to which he dedicated sporadically throughout his career. There are also in show some of the photographs taken at a bullfighting journey at Luis Miguel Dominguín estate in Cuenca. These are shown without frame and with no glass to protect them, since “that’s the way Català-Roca liked them”.The curator of the exhibition, Chema Conesa has defended that along his career Català-Roca was a “very practical man, with a really strong personality” who believed that “art was turning a moment into a powerful image of the memory “.Te fifties and sixties are fixed in his negatives, where he plays with the shadows, the frames and the light. He talks -according to curator Conesa- of a sad Spain, dark and inmersed in the post civil war years”.Because Català-Roca, that could have taken pictures of the most important people of his time, is also the one that showed life at the small Castilian villages, with unpaved streets, or the squares of big cities as  Madrid and Barcelona, with their “señoritas” strolling down Gran Vía, their marines visiting Barcelona’s Chinatown or his street vendors offering hair tonic round the corners.The exhibition also shows the friendship he had with painters Salvador Dalí y Joan Miró, with whom he had a better relation than with the first one, being their characters more alike.According to Martí, Catalá-Roca’s son , his father “always liked to be up to the day” in everything that happened, but he did not need to make a political discourse “because he had enough with reality”.The exhibition , that will close in September 25th, shows as well some of the cameras that the photographer used.The tour ends with a series of pictures dedicated to architecture, with diagonal shoots, and buildings taken from non usual angles, especially in emblematic buildings of Barcelona at that time , from Walden 7, to the housing building “Casa de los Toros”, and with two documentaries on his like and work.

Nuzart’s treasure hunt

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Para celebrar que ya somos más de 3000 fans en facebook.com/nuzart, regalamos 10 snappybooks!!

Para ello, hemos organizado una particular Gincana on-line en facebook.com/nuzart, en la que regalaremos 10 snappybook a quienes primero acierten el título y nombre del artista de una de las obras (fotografía o ilustración) de nuzart.com. Te proporcionaremos una serie de pistas que iremos publicando en el muro y que servirán para que encuentres una obra concreta. La obra que debes encontrar, pertenece a alguna de las Colecciones Shop&Go de nuzart.com. El fan participante que primero adivine el título correcto y el nombre del artista de la obra, ganará un snappybook, probablemente el mejor libro de fotos “a medida” del mercado.

To celebrate that we are over 3,000 fans, we have organized a particular on-line gymkhana atfacebook.com/nuzartin which we are giving away 10 snappybooks to those who first find the answer and solve the riddle. We will lead you on to the hidden artwork by using the 4 clues that we will devise and drop for you on nuzart’s Facebook wall. You will have to find the artwork that we’re talking about which is hidden in one of nuzart’s Shop&Go collectionsThe first participant fan to guess the correct title and artist will win a snappybook, probably the best custom photo book album on the market.

ENTREVISTA A ALDANA ARAMBURU, GANADORA DE LA SEMANA ABSTRACT DEL CONCURSO 12X7 DENUZART.COM

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 Formas Naturales C2 Aldana Aramburu

VERSATIL ART

En nuzart.com descubrimos trabajos artísticos que se caracterizan por su capacidad polivalente para desenvolverse en distintos medios. Diseños que pueden utilizarse para decorar una pared o como raport para estampar un tejido, que surgen a partir de un concepto concreto que poco a poco se va desarrollando hasta convertirse en un diseño con identidad propia. Algo similar es lo que representa Formas Naturales C2 de Aldana Aramburu , obra ganadora de la semana Abstract del Concurso 12×7 de Fotografía e Ilustración organizado por nuzart.com en facebook.com/nuzart y que se caracteriza por situarse en la frontera entre lo abstracto y lo figurativo, para interpretar formas inspiradas en la naturaleza mediante sus diseños geométricos y los colores planos. No es la primera vez que esta obra recibe un reconocimiento artístico; a finales de octubre de 2010, la Galería Tragic Paintings-Artnice Editions (Niza, Francia), realizó una exposición, cuya ubicación física eran distintos puntos estratégicos del pueblo La Gaude, en Francia. Fue un evento cultural importante, en el que participaron artistas de distintos países y se contó con la presencia del Alcalde y autoridades locales. Su obra Formas Naturales C2 fue la seleccionada para la inauguración de la muestra, con una reproducción en tela de 5 metros de base por 7 metros de altura que cubría la fachada del Ayuntamiento de La Gaude, además de ser la elegida para ilustrar la portada y contraportada de los catálogos de dicho evento.

Nacida en la ciudad de Hurlingham, Buenos Aires (Argentina), Aldana Aramburu siempre mostró un interés especial por el arte. Comenzó su formación artística muy joven y poco a poco fue perfilando su carrera hacia el diseño textil, especialidad en la que se graduó en la Universidad de Buenos Aires. Durante la carrera, ejerció además como docente en la asignatura de Medios Expresivos. Tras pasar un período en Sabadell, Barcelona (España) dedicado de lleno al arte, en el 2009 Aldana regresó a Buenos Aires para realizar nuevos proyectos en torno al diseño y preparar nuevas exposiciones. Actualmente expone su colección “Entramat Social” en Labarroka Showroom de Vigo, España.

Visita la Galería completa de Aldana Aramburu y adquiere sus obras en nuzart.com. | Visit Aldana Aramburu’s Gallery and buy her artworks at nuzart.com.

-¿Cómo surgió tu interés por el diseño textil?

Siempre me gusto mucho todo lo relacionado a la creatividad y las carreras universitarias más cercanas a este concepto eran las relacionadas con diseño.La carrera con la que sentí una mayor afinidad fue Diseño de Indumentaria y Textil.  Terminado el primer año decidí inclinarme hacia el Diseño Textil porque me parecía que era un mundo, dentro del diseño, menos explorado.Es por eso que en mis proyectos artísticos también se puede observar el Diseño Textil.

-¿Cómo definirías tu universo artístico?

Es una búsqueda constante de “lo diferente” a través del equilibrio, el desarrollo de ideas, lo textil, la abstracción, la simplicidad y un largo etcétera.

-¿…y tu relación con las formas naturales?

El contacto con lo natural te permite respirar un aire más puro, te carga de una energía diferente. Lo que intento transmitir en mis Formas Naturales es la vivacidad en forma y color, que expresa la naturaleza misma, en un estado de mayor simplicidad.

-¿Qué proyecto destacarías de todos los que has llevado a cabo?

Es una pregunta difícil de responder, porque todos los proyectos que he realizado han marcado fuertemente mi trayectoria artística.Quizás el proyecto que marco un quiebre significativo fue Desestructuración del Sistema. Esta fue la primera colección en la que comencé a explorar el formato grande.Siempre trabajaba en formatos pequeños porque me daba una mayor seguridad. Pensaba que el formato grande no era para mí, quizás por miedo a tanto espacio en blanco por llenar.

-Cada vez es más frecuente ver a diseñadores y artistas colaborando con firmas de decoración…¿Cómo definirías este tipo de colaboración? ¿Has colaborado con alguna firma?

Me parece muy interesante poder dar un sentido práctico a una creación artística.Me encantaría poder colaborar con empresas de decoración aunque aún no lo he hecho.

-¿Qué soporte prefieres para tus obras?

La trama de los tejidos es algo que me atrapa, por esto creo que el bastidor de lienzo es mi preferido si pienso en mi arte pictórico.En cambio, mi arte digital no me gusta encasillarlo en un soporte determinado. Creo que en función del contexto en el que vaya a ser usado, lo puedo imaginar en una gran variedad de soportes.

-¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Sigo desarrollando la colección Segmentación del Núcleo Urbano, y al mismo tiempo trabajando en nuevas ideas para una nueva colección. Además, estoy organizando exposiciones para el 2011.

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Formas Naturales C2 – La Gaude, France 

VERSATIL ART

As we ge tinto nuzart.com we discover art pieces that are characterized by their versatile ability to communicate in different media. Designs that can be used to decorate a wall or as a fabric stamping rapport, arising from a specific concept that gradually unfolds into a design with its own identity. Something similar to this is what represents Formas Naturales C2 of artist Aldana Aramburu, winner of the Abstract Week of nuzart.com’s 12×7 Photography & Illustration Contest, which is characterized to be at the border between abstract and figurative, to interpret shapes inspired by nature through their geometric designs and plain colors.

And it is not the first time that this artwork received an artistic recognition; in late October 2010, Gallery Tragic Paintings – Artnice Editions (Nice, France), organized an exhibition whose physical location were different strategic points in the village of La Gaude, in France. It was an important cultural event, involving artists from different countries and was attended by the Mayor and local authorities. Aldana Aramburu’s work  Formas Naturales C2 was selected for the opening of the exhibition, with a huge reproduction on canvas of 5 m wide by 7 m high that covered the facade of the City of La Gaude, besides being chosen to illustrate the front and back covers of the catalogs of this event.Born in the city of Hurlingham, Buenos Aires (Argentina), Aldana Aramburu always showed a special interest in art. She began her artistic training at an early age and gradually began to specialize her career to the textile design field, in which she graduated from the University of Buenos Aires. During her University studies, she also served as a teacher in the course of Expressive Means and Media. After spending a period in Sabadell (Barcelona, Spain) fully dedicated to art, in 2009 Aldana returned to Buenos Aires to develop new design projects and prepare new exhibits. She is currently showing her collection “Entramat Social ” in Labarroka Showroom (Vigo, Spain).

Visita la Galería completa de Aldana Aramburu y adquiere sus obras en nuzart.com. | Visit Aldana Aramburu’s Gallery and buy her artworks at nuzart.com.

– How did your interest in textile design arise?

I always liked everything related to creativity and the closest university studies to this concept, were those related to design.The discipline for which I felt a greater affinity was Fashion and Textile Design. After my first year at college, I lean toward the Textile Design because I thought it was a less explored world (in design).That’s why Textile Design can also be seen in my art projects.

– How would you define your artistic world?

It is a constant search for different ways of viewing, through the balance, the development of new ideas, textiles, abstraction, simplicity, and much more.

– … and your relationship with natural forms?

The contact with nature allows me to breathe fresh air, which provides a different energy. What I am trying to convey in my “Formas Naturales” is the vividness (in shape and color), which expresses the nature itself, in a state of greater simplicity.

-What Project would you choose out of all you’ve done?

It is a difficult question to answer because all the projects I’ve done has strongly marked my career.

Perhaps the project that marked a significant break was Desestructuración del Sistema. This was the first collection that I started exploring the large format.

I always used to work with small formats because I felt more confident. I thought the large format was not for me, perhaps for fear of filling large empty areas.

-It is increasingly common to see designers and artists collaborating on decorating & interior design  projects… How would you define this type of collaboration? Have you ever collaborated with any brand on a project?

I find it very interesting to give practical meaning to an artwork.

I would love to work with companies on a design project but I have not done it yet

– What medium and support do you prefer to work with?

The weft of the fabrics is something that grabs me, and that’s why the canvas is my favorite for my work.However, I do not like to pigeonhole my digital art in a particular medium. I think that depending on the context in which it is to be used, I can perform it in a variety of media.

– What are your upcoming projects?

I’m continuing developing the series “Segmentación del Núcleo Urbano”, while working on new ideas for a new collection. And I am also organizing new exhibitions for 2011.

Ya somos más de 3000 fans en facebook.com/nuzart!!

 “Gana un snappybook con la gincana NUZART’S TREASURE HUNT

¿De qué obra estamos hablando?

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GRAN VIA03 remendado Paleta de color

Vistas de Madrid New york Flat Tiffany

Sáhara Caterpillar Barcos entre la nieb...

caminito Tenochtitlan Alien sunset

Metro Londres Pasion por el Sol LA MÍTICA ACTUAL

“WIN A snappybook WITH NUZART’S TREASURE HUNT

What artwork are we talking about?

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The Fashion Attitude: ENTREVISTA A CLARA BONET, GANADORA DE LA SEMANA FASHION DEL CONCURSO 12X7 DE NUZART.COM

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Sit Girl | Clara Bonet

The Fashion Attitude

Clara Bonet es la ganadora de la semana Fashion del Concurso 12×7 de Fotografía e Ilustraciónorganizado por nuzart.com.

Ilustradora y creativa publicitaria nacida en Barcelona, Bonet posee una envidiable e imparable carrera. En el año 2000, se graduó en artes gráficas e ilustración en la escuela Pau Gargallo. Ese mismo año realizó un postgrado de ilustración en la escuela de diseño Eina, a cargo de Philip Stanton. En el año 2005, conoce a Antonio Montero, director creativo de la agencia Contrapunto (Madrid), y es entonces cuando comienza su carrera como creativa publicitaria. Allí trabajó para cuentas como el periódico El País, Digital + , y el Metro de Madrid… , entre otras. Realizó además las ilustraciones de portada, contra portada e interiores del libro “Don Quijote para triunfar” de mr.Ediciones del grupo Planeta. En el año 2006, trabaja para la agencia Go Marketing (Madrid), y queda como finalista de los premios “Sol” de San Sebastián por su campaña para el Ayto. de Zaragoza. Desde el 2007 reside en Barcelona y trabaja como Freelance, alternando trabajos de ilustración, diseño y dirección de arte y colaborando con Hop Design, un estudio de interiorismo italiano ubicado en Barcelona.

Su obra Sit Girl , ganadora de la semana Fashion del Concurso 12×7, pertenece a su galería Fashion de nuzart.com. Una galería compuesta por una serie de ilustraciones digitales, con un atractivo “retro-actual” que nos trasladan a escenarios pop, ultramodernos y cosmopolitas, protagonizados la mayor parte de las veces por personajes femeninos y otros objetos relacionados con el mundo de la Moda. Contenidos y continentes con identidad propia que sirven como medio para expresar en ocasiones actitudes y emociones.

-Tu estilo es…

Es muy difícil poner sólo una etiqueta… es un estilo gráfico, desencajado, de texturas planas y color, mucho color! Me encanta la serigrafia y me divierte que la gente cuando ve un cuadro se pregunta si está hecho en serigrafía… tema que me planteo hacer en un futuro

-¿Qué suponen para ti tus personajes?

Inevitables. Me encantan los gestos y lo que dicen, cuando ves a la gente en sus quehaceres diarios es imposible no leer entre líneas…

-En todas tus obras haces alusión a la figura femenina, el amor a través de ciertas metáforas y otras actitudes… ¿Cuál es el mensaje que quieres transmitir?

Depende del momento, pero “actitudes” son una constante en mi trabajo

-¿Cuál es tu fuente de inspiración y tu referente artístico?

Hay artistas que me fascinan como Schiele, Picasso, Warhol, Hockney… creo que tendemos a recolectar todo lo que nos gusta y hacer nuestro propio cocktail…

-Y tu sueño?

Poder dedicarme EXCLUSIVAMENTE a ello claro! jaja. Por ahora me satisface tener encargos y poner de vez en cuando mis pies en algún proyecto.

Compra las obras de Clara Bonet en el tamaño y material de impresión que desees aquí | You can buy Clara Bonet‘s atrworks in the size and printing material of your choice here

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The Fashion Attitude

Clara Bonet is the winner of the Fashion week of nuzart.com’s 12×7 Photography and Illustration Contest.

Born and based in Barcelona, this advertising creative, designer and illustrator, has a rich background and an unstoppable enviable career. She was graduated in Graphic Design and Illustration from the Pau Gargallo School in 2000. This year she also made an Illustration postgraduate course from the Eina Design School directed by Philip Stanton. A few years later, in 2005, she met Antonio Montero The Creative Director of Contrapunto Advertising Agency in Madrid., and that was when Bonet started her career as an advertising creative working for clients such as El Pais Digital or El Metro de Madrid, among others. She also designed the cover, the back-cover and the inside of the book ”Don Quijote para triunfar” (“Don Quijote to succeed”) edited by MR Ediciones-Grupo Planeta. In 2006, she works for Go Marketing Agency in Madrid and was a finalist for the San Sebastián Sol Awards for her campaing developed for the City Council of Zaragoza. Since 2007 she lives in Barcelona and works as a freelance, alternating design, illustration and art direction projects with her collaboration for Hop Design, an italian Desing Studio based in Barcelona.

Her work, Sit Girl is the winner of nuzart.com’s Fashion Week 12×7 Contest, which belongs to her Fashion series. A collection of digital illustrations inspired by an attractive “retro” air that move us beyond ultra-modern, pop and Cosmopolitan style scenarios, which most of the timer are featuring female characters and other objects related to the world of Fashion. Contents and continents with its own identity that serve as a means to express attitudes and emotions.

-Your artistic style is…

…It’s very difficult to put a single tag on it… I’d say its graphical, haggard, with flat textures and color, lots of color!. I love serigraphy and it really amuses me when people see my works and wondered if they are done in serigraphy… Serigraphy is something that I’m considering doing in the future.

-What do your characters mean to you?

They are all inevitable. I love the gestures and what they say about people…When you see people in their daily lives, it’s imposible not t oread between the lines…

-Throughout your Works, you make reference to the female figure, Love through certain metaphors and many other attitudes…What is the message that you really want to convey with it?

It depends on the moment, but “attitudes” are a constant in my work.

-What is your inspiration and your artistic references?

There are artists who really fascinate me as Schiele, Picasso, Hockney… I think that in one way or in other we tend to collect everything we like to make our own cocktail…

-And your dream is…

…My dream is to be devoted EXCLUSIVELY to art and design…of course!!…haha!. For now I’m happy taking orders and ocassionally putting my head on some projects.

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Entrevista a Salvador Álvaro, ganador de la semana H2O del concurso de Fotografía e Ilustración de nuzart.com

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London Eye

LONDON WEEKEND

Hay veces que la casualidad marca de alguna manera nuestro destino, en otras, éste se define simplemente por la forma en la que aprovechamos las oportunidades según se nos presentan. De una manera o de otra, el hecho de que Salvador Álvarosea el ganador de la semana H2O delConcurso 12×7 de Fotografía e Ilustración organizado por nuzart.com, tiene algo que ver con todo esto. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de San Carlos de Valencia, Salvador Álvaro lleva dedicado al mundo de la fotografía industrial y publicitaria desde 1997. Sus obras más personales están casi siempre realizadas en Blanco y Negro ya que son capaces de transmitir una serie de matices y de contrastes muy diferentes a los que se consigue con la fotografía en color.

Su obra London Eye , ganadora de la semana H2O, pertenece a la serie London Weekend, una galería muy personal en Blanco y negro que muestra fragmentos y retazos de lugares emblemáticos de Londres fácilmente descifrables por los amantes de una ciudad tan única. Puede que la lluvia en Londres no sea producto de la casualidad, pero según se mire, sí una gran oportunidad.

– ¿Por qué Londres?, ¿por su lluvia o por su encanto?…

Es Londres, como podía haber sido cualquier otra ciudad, me gusta viajar y captar con la cámara escenas que me sugieran, que me trasmitan algo; el hecho de visitar por primera vez una ciudad, te abre un mundo de sensaciones, de posibilidades de interpretar su esencia.En el caso de Londres, se aúnan modernidad con clasicismo, la mezcla de diversas culturas, el tránsito frenético y la movilidad de la City, el colorido y el hecho de que el agua forme parte de ella, tanto climatológicamente hablando como que el desarrollo de la ciudad haya estado influenciado por el rio, me motivó a realizar la serie London Weekend, pero desde un punto de vista mas intimista más personal.El agua es vida, ya que una de sus esencialidades es la de mostrarnos el mundo dividido, es decir lo que es verdad y lo que parece no serlo, es la fuerza de la imaginación que se debate entre el si y el no. El agua es símbolo de abismo, de riesgo, es símil de emergencia hacia la vida que se creía perdida, y Londres es una ciudad que respira vida y te invita a mirarla.

-…Hay muchas formas de hacer fotografía en Blanco y Negro…descríbenos la tuya.

Si es cierto que hay muchas y variadas formas de hacer fotografía en blanco y negro, y debido a las nuevas tecnologías, tanto en cámaras como en software, es mucho mas asequible y cómodo acceder a imágenes en blanco y negro, aunque es difícil equiparar los resultados a los conseguidos con la película de haluros de plata.No quiero entrar en tecnicismos, pero una imagen conseguida disparando en blanco y negro o en la mayoría de los casos, escala de grises, ya de entrada pierde matices y calidad, debido a la compresión o conversión preconfigurada en la cámara, perdiendo así mucha información imposible de recuperar después.Cuando vi por primera vez la obra de Sebastiao Salgado, supe enseguida que el blanco y negro era lo que quería hacer, después al ver las obras de Garcia Alix y Chema Madoz, esa necesidad se convirtió en imperativa. Mi forma de trabajar el blanco y negro, es partir de un archivo disparado en NEF (RAW), captando así la mayor cantidad de información posible, buscando que en el encuadre ya, exista una gama tonal adecuada para su posterior procesado o “revelado” en blanco y negro, el proceso de revelado un tanto laborioso casi se podía equiparar al que se utilizaba en el antiguo cuarto oscuro, cuando se jugaba con reveladores, temperaturas, tipos de papel, etc. Ahora todo eso queda sustituido por capas, filtros, curvas, niveles.

-Siempre he pensado que lo mejor de este concurso es que reúne a aquéllos artistas que realmente muestran y tienen ilusión por lo que hacen. ¿Cómo definirías tu pasión  por lo que haces?

Si, realmente me apasiona la fotografía, tanto desde el punto de vista del trabajo cotidiano, como del personal. En el trabajo de encargo, cada día es un mundo, un reto, un intento de superación que traslado al trabajo mas personal.Fotografiar, en el sentido más amplio, es crear, interpretar, resaltar matices y formas para dar sentido o cambiar el sentido de las cosas. Todo está a la vista, es el ojo o la mirada del fotógrafo, lo que hace cobrar protagonismo a algo cotidiano que de otra forma podría pasar desapercibido. La complicidad creada entre la mirada y la cámara a la hora de encontrar el encuadre, nos convierte un poco en “voyeurs”, en cuanto a nuestra actitud tanto física como emocional ante el mundo.Es realmente fascinante poder expresarse mediante la fotografía, suelo llevar la cámara conmigo a todas partes, y normalmente no voy con ninguna idea preestablecida, prefiero descubrir mirando, observando y dejándome llevar por el momento, y así que la idea o concepto se cree dependiendo de las situaciones, del momento adecuado.

– La mayoría de tus fotos son fragmentos extraídos de escenarios más amplios…¿Cada fragmento es una pequeña historia?

Como he dicho anteriormente, me gusta mirar, ver e intentar plasmar lo que me motiva de las cosas que veo.En las tomas intento resumir los conceptos, y centrar la atención en lo que para mi es realmente importante de la escena, intento eliminar el exceso de información, evitando que existan demasiados puntos en los que distraerse observando. Pretendo que cada imagen sino cuente una historia, si que sea algo que por si mismo tenga un contenido a modo de Flashback, se podría decir. Esto es sugerirnos un momento concreto atemporal.Las fotografías son un viaje visual a través de diferentes escenas habitadas por personajes anónimos y elementos emblemáticos de la ciudad de Londres, intentado huir del Glamour de la ciudad y buscando ese lado mas intimista, más cotidiano, más industrial.Aunque si, se podrían considerar historias, relatos, al fin y al cabo la fotografía puede ser inscripción y escritura a la vez. Al fin y al cabo el trabajo de muchos fotógrafos puede entenderse específicamente como una búsqueda de discursividad.

-…¿Qué te permite la fotografía en Blanco y Negro que no te permita la fotografía en color?

Quizás, el hecho de que la mayor parte del trabajo de encargo que realizo en el estudio haya de hacerse en color, buscando conseguir el color real, la nitidez, etc. Claro cuando reproduces una obra de arte o un mueble, si tiene unos matices has de sacarlos, no se puede evadirse de la realidad La fotografía en Blanco y Negro, desde mi punto de vista, permite centrarnos más en el concepto de la imagen, la ausencia de color permite al espectador concentrarse más en la forma y relación de lo fotografiado sin tomar en cuenta los colores de los objetos. Además a mi me gusta contrastar mucho las imágenes, buscando negros densos y blancos puros, buscando que la imagen tenga un carácter un tanto escultural, dramático, quizás influenciado por el cine expresionista alemán. Si Ansel Adams levantase la cabeza se tiraría de un quinto piso al ver la gama tonal que utilizo y los contrastes agresivos que me gusta utilizar.No voy a negar en ningún momento que la inmensa mayoría de fotógrafos prefieren el color consiguiendo unos resultados espectaculares y que la fotografía en color ha sido un avance, y que es todo muy bonito, muy colorista y muy agradecido, pero yo me encuentro mucho mas a gusto con el blanco y negro para expresarme mas natural y libremente.

Visita la Galería completa de Salvador Álvaro en nuzart.com | Visit  Salvador Álvaro’s Gallery at nuzart.com

LONDON WEEKEND

Sometimes chance decides our destiny, others, it is defined by how we deal with the opportunities that life puts in our path. In one way or another, the fact that Salvador Álvaro is the winner of the week H2O of nuzart.com’s 12×7 Photography and Illustration Contest, has something to do with it.

He has a Bachelor in Fine Arts from the University of San Carlos de Valencia, and has dedicated his professional carreer to the world of industrial and advertising photography since 1997. His personal works are almost always made in Black and White, as they are capable of transmitting a number of nuances and contrasts very different from that achieved by color photography.His work London Eye, winner of the week H2O, belongs to his London Weekend series, a very personal gallery in black and white that shows hidden fragments and places of London’s landmarks, easily (but only) decipherable by those who love this unique city.The rain in London is probably not the result of chance, but depending on how you look at it, it’s a great opportunity.

-Why London? … for its rain or for its charm?…

It’s London as it could have been any other city… I like to travel. But London combines modernity with classicism, it’s so special for its mix of different cultures, the hectic traffic and mobility of the City, for its color and for the fact that water is part of it, climatologically speaking as for the city’s development which has always been influenced by the river Thames. That motivated me to make the London Weekend series, but from a more intimate and personal perspective.

Water is a symbol of the abyss, of risk. Water is synonymous with that life that was believed lost, and London, is a city that breathes life and invites you to look at it.

– … There are many ways to do Black and White Photography, … tell us about yours.

It is true that there are many different ways to do black and white photography because of new technologies, although it is difficult to equate the results to those obtained with silver halide film.When I first saw the work of Sebastiao Salgado, I knew right away that black & white photography it was what I wanted to do, and after seeing the works of García Alix and Chema Madoz, that need became imperative. My way of working with black and white, is, starting with a NEF (RAW) file, to capture as much information as possible, claiming a tonal range suitable for the further B&W processing. The development process is laborious and could almost be equated to that used in the old darkroom, where developers were used, as well as different temperatures, types of paper, etc. Now all that has been replaced by layers, filters, curves, levels.

-From this side, as an interviewer, I’ve always thought that the best thing about this contest is that it brings to those artists who really are excited about what they do. How would you define your passion for what you do?

Yes, I really love photography. For me taking pictures, in the broadest sense, is to create, interpret and highlight nuances and shapes, in order to make sense or change the meaning of things. Everything is visible, and is the photographer’s eye which makes that everyday things become prominent without going unnoticed. That complicity created between our eyes and the camera, makes us a little “voyeuristic” in terms of our physical and emotional attitude to the world.

– Most of your photos are pieces taken from larger scenarios … Would you say that every of your pictures is a little story?

I like to look, see and try to translate what motivates me of things that I see.

In my photographs I try to summarize the concepts and focus on what is really important to me, trying to eliminate the excess of information, and avoiding having too many points where we can get distracted.The photographs are a visual journey through different scenes inhabited by anonymous characters and symbolic elements of the city of London. I try to flee the glamor of the city, seeking a more intimate, routine and industrial setting.Although the series itself could be considered stories, photography can also be recording and writing at the same time.

– … What does B&W photography allow you to do that color photography cannot provide?

The Black and White photography, allows you to focus more on the concept of the image; the absence of color allows the viewer to concentrate more on the shape and the relationship between the elements without taking into account the color of the objects. I also like to use a lot of contrast, looking for dense blacks and pure whites, giving the image a sculptural and dramatic character, perhaps being influenced by German expressionist cinema. If Ansel Adams came back to life, he would throw himself out the window of a fifth floor, seeing the tonal range that I use and the harsh contrasts that I like to use.

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“De madera, metal y piedra”

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A partir del 2 de diciembre y hasta el próximo 15 de enero de 2011, Rafael Montero exhibe “De madera, metal y piedra” en la Cervecería Ferrero de Madrid . Una exposición que reúne 14 obras fotográficas del artista basadas en la naturaleza y los paisajes urbanos, además de algunas escenas extraídas de sus viajes.

El nuevo ShanghaiJin MaoViejo CineGran VíaHojas y Roca o Moteros, son algunas de las obras que puedes ver en esta muestra, y adquirir directamente a través de su galería on-line en nuzart.com, en el tamaño y en material de impresión que desees.

 

“De madera, metal y piedra”

Del 2 de diciembre de 2010 al 15 de enero de 2015 en la Cervecería Ferrero

calle Ferraz, 54 . Madrid.